Elige las etiquetas que describan mejor las estampas: descubrirás muchas cosas sobre el estilo japonés y comprobarás las diferencias respecto de nuestro arte de siempre
Los actores de teatro kabuki Sanogawa
e Ichikawa, Toshusai Sharaku, 1794-95
Los amores de París y Elena
Jaques-Louis David, 1788
Colores planos
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¿Cuántas tonalidades de rojo detectas en estas pinturas?
En el arte occidental, es habitual representar el volumen de los objetos, como si fuesen reales. El relieve en una pintura se logra gracias a la combinación de luz y sombras, como podemos observar en los pliegues de la túnica rosa y en las cortinas del fondo de la obra de David; por eso aparecen muchas tonalidades distintas...
Pero en el arte japonés los colores son planos y se aplican sin gradaciones tonales, un aspecto que tiene que ver con la técnica usada: la xilografía o grabado sobre madera. Así se consiguen colores muy vivos, intensos y alegres, como los momentos de la vida que suelen representar las estampas: paseos relajantes, juegos divertidos, el mundo del teatro...
¿Qué colores elegirías para pintar la actividad que más te gusta?
Encinas en Apremont,
Théodore Rousseau, 1852
Anteojitos japoneses, Kitagawa Utamaro,
finales del XVIII – principios del XIX
Espacios vacíos
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¿Podría ser esta ramita un detalle ampliado del árbol?
En la tradición artística europea es habitual ofrecer una visión de conjunto de los espacios representados, para que parezcan realistas, firmes y estables.
Pero en el arte japonés encontramos detalles aislados, especialmente tomados de la naturaleza, que son los protagonistas y que no necesitan contexto. De ese modo, en el papel quedan muchos espacios vacíos, creándose composiciones descentradas, volubles, inestables… Pero también se consiguen obras de gran sencillez y austeridad: ¡muy pocos elementos que dicen mucho!
¿Qué detalle pintarías para
representar tu lugar favorito?
Cupido y Psique,
Jaques-Louis David, 1788
Jardín de cerezos en Kameido,
de la serie «Cien famosas vistas de Edo»,
Utagawa Hiroshige, 1857
Gusto por la naturaleza
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En el arte occidental hay muchas representaciones de paisajes, pero a menudo como elementos secundarios y no tan apreciados como los temas de historia y mitología, que es el motivo de la obra de David.
En cambio, el arte japonés se complace en representar a la naturaleza en sí misma. Para los nipones, la naturaleza es bella, amable y sencilla, y las personas conviven con ella en armonía. Además, en la naturaleza siempre ocurren cosas y nunca nada es igual: las estaciones del año, las horas del día, las variaciones atmosféricas..., todo va cambiando de aspecto.
¿Podrías identificar la estación del año y la hora del día en esta obra de Hiroshige? Estas estampas se denominan ukiyo-e por los temas que tratan, ya que su traducción significa ‘mundo flotante, que fluye o va pasando’.
¿A qué asocias
dichos conceptos?
Los amores de París y Elena
Jaques-Louis David, 1788
Los actores de teatro kabuki Sanogawa e Ichikawa, Toshusai Sharaku, 1794-95
Contornos
marcados en negro
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¿Puedes seguir el trazo del dibujo en estas dos obras? Si tuvieras que calcarlas, ¿podrías perfilar fácilmente los contornos de ambas?
En el arte europeo, el dibujo es muy importante, pero las normas académicas dictaban que no debía notarse mucho: quedaba camuflado tras la pintura.
En la cultura japonesa, sin embargo, el dibujo es la base de la pintura, y los artistas tienen que ser muy virtuosos, rápidos y precisos en su ejecución. Observa cómo el artista marca los contornos en negro dejando la huella del pincel sobre el papel...
Al reseguirla con el dedo ¡comprobarás que una simple línea
puede generar mucho ritmo y movimiento!
Jardín de cerezos en Kameido, de la serie
«Cien famosas vistas de Edo», Utagawa Hiroshige, 1857
La avenida de Middelharnis,
Meindert Hobbema, 1680
Puntos de vista
insólitos
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El punto de vista es el lugar y la posición desde donde se mira. Observa el punto de vista del artista en estas dos obras.
En la pintura europea de Hobbema, el punto de vista es frontal y nos hallamos en el centro del espacio representado, lo que hace que resulte una composición simétrica y equilibrada, con una visión general del paisaje.
Pero el pintor japonés, en cambio, adopta un punto de vista poco habitual…, ¡justo delante de una rama!
¿Qué sensación nos provoca como espectadores? ¿Qué obra muestra una relación más íntima o próxima con el entorno que representa?
Si tuvieras que dibujar tu
aula, ¿qué punto de vista
extraño elegirías?
Cascada en la provincia de Settsu,
Utagawa Hiroshige, 1854
Cataratas del Niágara desde el lado americano,
Frederic Edwin Church, 1867
Ausencia de perspectiva
y profundidad
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¿Podemos ver qué hay más allá de las cascadas? ¿Qué obra nos produce la impresión de espacio y amplitud? ¿Ante cuál nos sentimos apretados?
Alcanzar la profundidad mediante el uso de la perspectiva siempre ha sido muy importante en las pinturas de tradición occidental. Con este recurso se lograba que la obra de arte se pareciera mucho a la realidad, funcionando como una especie de ventana a través de la cual podía contemplarse el mundo. A los japoneses, sin embargo, no les interesaba mucho la perspectiva…, quizá porque preferían «sentir» el mundo a «verlo».
¿Qué piensas tú al respecto?
Kitagawa Utamaro, Anteojitos japoneses, finales del XVIII – principios del XIX
Utagawa Hiroshige, Cascada en la provincia de Settsu, 1854
Toshusai Sharaku, Los actores de teatro kabuki Sanogawa e Ichikawa, 1794-1795
Utagawa Hiroshige, Jardín de cerezos en Kameido, de la serie «Cien famosas vistas de Edo», 1857
Este no es un concepto japonés
A estas alturas ya sabes muchas cosas sobre el arte japonés.
¡Descubre ahora cómo influyó en el arte occidental!
